domingo, 25 de mayo de 2014

¿Por qué el hombre se esfuerza en hacer música?


¿Por qué desde el Paleolítico hasta hoy, el hombre, se esfuerza en hacer música? La explicación más fácil es que la música tiene un placer único para los seres humanos. Por supuesto, esto todavía deja la pregunta de por qué. 


Pero para eso, la neurociencia está comenzando a dar algunas respuestas.
Cuando escuchamos música agradable, liberamos dopamina en el cerebro, justo en la zona donde experimentamos los estímulos de gratificación, como la comida, el sexo, y drogas como la cocaína y las anfetaminas.

Pero lo que puede ser más interesante aquí es cuando se libera este neurotransmisor: no sólo cuando la música se eleva a un momento emocional alta, pero también varios segundos antes, durante lo que podríamos llamar la fase de anticipación.

La idea es que la recompensa se debe en parte a la anticipación, o a la predicción de un resultado deseado. Tomar buenas predicciones sobre el resultado de las acciones de uno parece ser esencial en el contexto de la supervivencia. Y en la música hay mucho de predicción.

La música nos ayuda a tener más capacidad de realizar predicciones sobre acontecimientos futuros sobre la base de acontecimientos pasados. Cuando escuchamos música, las redes cerebrales crean activamente las expectativas basadas en el conocimiento almacenado. Escuchar música es como un entrenamiento de predicción.

Todavía estamos lejos de responder a la pregunta inicial, pero ya conocemos que el hombre se esfuerza en hacer música porque lo estimula emocionalmente, porque nos da placer y porque nos hace más inteligentes. La música ha influido en nuestra evolución cerebral y que además nos ayuda a mantenerlo en forma. Os dejo con una guía de estilos musicales, un poco simples, y como influyen en nuestro cerebro.

Fuente del articulo: http://www.acusticaweb.com/psicoacustica-y-cerebro/blog/psicoacca-y-cerebro/por-que-el-hombre-se-esfuerza-en-hacer-musica.html

viernes, 9 de mayo de 2014

Iluminando un estudio de fotografía

En la fotografía no hay una ciencia exacta para crear la iluminación en un estudio, ya que depende del efecto que quiera lograr el fotógrafo y de las preferencias del mismo. No obstante, hay principios básicos que se aplican a casi todas las fotos de estudio: la presencia de un telón de fondo, las luces de fondo y las principales, y las herramientas de difusión. Una vez que esto está preparado, se alteran de acuerdo a lo que se quiera lograr.

Primero debe haber un telón de fondo colocado en algún barral, en un pequeño estand o bien sujetado de la pared. Deber ser lo suficientemente largo para poder cubrir toda la pared y estirarlo por gran parte del piso, esto es que el horizonte desaparezca por completo, eliminando las sombras molestas. Algo importante es, que no tenga costuras.


Luego coloca algún objeto (“posionador”) en el lugar exacto que va a estar el o la modelo para establecer y posicionar correctamente las luces. Puedes utilizar una silla, banqueta, o una pequeña mesa.
Ubica las luces de fondo de cada lado del objeto que sirve como posicionador. Estas luces son sumamente importantes para equilibrar las sombras provocadas por el posicionador y las luces principales. Cada una debe estar dirigida exactamente hacia un lado del objeto que marca la posición. Orienta la luz hacia el interior y hacia el fondo de modo que los dos focos se crucen cuando se enciendan. Esto hará que el fondo esté iluminado de manera uniforme. Fíjate bien que las luces de fondo no estén en el rango de visión de la cámara.
Ahora es el turno de las luces principales. Ésta es la fuente de luz utilizada para iluminar el modelo a fotografiar. Puede ser una luz constante o bien un flash. Debe estar colocada levemente más alta que el modelo y debe apuntar en un ángulo apenas inclinado hacia abajo. Puede estar en la parte delantera derecha o izquierda del modelo.



Conecta dispositivos difusores o paraguas a la luz principal. El fin de esto es difundir la luz alrededor del modelo, evitando luces fuertes que podrían causar un brillo o sombras. Propagar la luz permite llenar el espacio con una suave luz natural de manera pareja.
Coloca una pantalla de difusión en el lado inverso de donde esté la luz principal. Puedes tener un ayudante que la sostenga dirigida hacia el modelo, por ejemplo, del lado izquierdo si la luz principal está a la derecha. Esto difundirá aún más la luz.


Por último, juega con la disposición y prueba las luces naturales a tu alrededor. No hay ciencia en la configuración de las luces en un estudio. Depende del fotógrafo. Experimenta con el número de luces, los flashes y los ángulos hasta que tu visión se plasme. Después de todo, la Fotografía es un arte y cada cual la expresa según sus gustos y preferencias.

jueves, 8 de mayo de 2014

Como hacer una barra de luces LED




Las luces LED son muy buenas para iluminar cualquier lugar de la casa o bien de forma decorativa y divertida en estantes, bordes de ventanas o puertas, incluso en algún baúl de juguetes para los más pequeños del hogar.

MATERIALES
  • Luces LED
  • Tira de PVC del tamaño deseado
  • Pegamento
  • Soldador
  • Porta baterías
  • Cable
  • Cinta aisladora


 PASOS A SEGUIR:
  1. Hacer agujeros a lo largo de toda la tira de PVC, del tamaño de las LED escogidas. Cada una debería estar colocada a medio centímetro de distancia de la otra. Con una lija, pasa por los bordes ásperos.
  2. Colocar un LED en el primer orificio y pegarlo con pegamento. Coloca el LED de manera que el terminal más corto positivo quede a la izquierda de la tira y el negativo a la derecha. Repetir esto en todos los agujeros.
  3. Doblar todas las patitas del LED, para que entren en contacto con los que están al lado. Un terminal positivo debe entrar en contacto con uno negativo y así con todos, salvo el primero y el último que quedan desconectados.
  4. Unir con el soldador cada conexión entre sí. Si están muy separados, haz un pequeño tramo con cable eléctrico para cerrarlo. Todos deben estar soldados, menos el primer positivo a la izquierda, y el último negativo de la derecha.
  5. Soldar un extremo del cable al borde positivo del porta baterías y el otro extremo al borde negativo de la palanca del interruptor. Suelda un extremo del cable al borne positivo de la palanca del interruptor para abrir el terminal positivo del LED.
  6. Suelda un extremo del cable al borne negativo del porta baterías y el otro extremo a la terminal negativa abierta del LED. Encinta el cable largo a la parte posterior de la tira de PVC.
  7. Corta pequeños trozos de cinta aislante de color negro y envuelve todos los cables expuestos para evitar que cualquier metal entre en contacto con otros. Introduce las baterías en el porta baterías y activa el interruptor para iluminar tu nueva barra de luces LED.

martes, 6 de mayo de 2014

Cómo iluminar un escenario es algo muy importante


Iluminar un escenario no es solo poner luces, sino, a través de los colores y la intensidad de las mismas, crear el ambiente y la atmósfera para compartir con el público.

Este trabajo muchas veces parece insignificante, y casi no es reconocido en una producción teatral. La iluminación proporciona un contexto diferente, da un toque de magia a los intérpretes y al espectáculo a través del color por ejemplo. En el teatro, el color es el arma más fuerte del iluminador.
El color en las luces se obtiene a través de unos plásticos llamados “Geles” que se colocan delante de los focos. Esto permite que la luz pueda transformarse en cualquier color deseado. Los diseñadores de luces planifican los temas de iluminación para sus producciones metiéndose cuidadosamente dentro de cada obra o lista de canciones, para captar el sentido del tema general. Registran los elementos más importantes de iluminación de escena a escena desde un punto de vista técnico, así como notando las emociones, colores y combinaciones apropiados que deben resaltar. El diseñador escoge un surtido de geles específicos para cada producción, anotando las ubicaciones, los colores fijados y las instrucciones en un cuadro o proyecto detallado llamado "plano de luces".



El uso del color en la iluminación de un escenario es algo valioso en una producción teatral o en un concierto, ya que proporciona el aspecto visual y el sentido de toda la producción. Por ejemplo, si es una tragedia se utilizan tonos más oscuros y sombríos de la paleta de colores de luces, y si bien es una alegre comedia o un musical se emplean por lo general una iluminación más brillante y plana, colores más suaves y menos contrastes. Cada producción ofrece miles de combinaciones de colores y estrategias diferentes.

Las luces de colores también son una forma importante de representar el tiempo o estación de la producción. Ejemplo, el uso de chorros de amarillos suaves ayuda a que el público crea que la obra tiene lugar en una mañana de pleno verano. Los azules y plateados profundos y oscuros pueden indicar que la acción tiene lugar en una noche de pleno verano. Mientras tanto, las motas de rojo, naranja, amarillo y marrón pueden alertar al público que la acción tiene lugar en un hermoso día de otoño.

Las luces de colores, cuando se usan de forma creativa, también pueden causar efectos visuales en una producción, y logran hacerlo con sorprendente eficacia. Un chorro repentino de luces de color rojo profundo sobre un entorno blanco o pálido puede evocar instantáneamente un crimen sangriento, mientras que en un lado más amable, un grupo de pequeñas luces de colores parpadeantes pueden usarse para simular una pantalla de computadora o un elemento de ciencia ficción.



Las luces de escenario de colores no solo iluminan los personajes en escena con un sentido real, sino que también lo hacen metafóricamente. Pueden darle a la audiencia una visión de la mente o el estado de ánimo del personaje, con un reflejo rosa para mostrar que está enamorado, o verde tenue para insinuar enfermedad, o un sutil azul para expresar depresión y tristeza. Los focos de colores no solo aíslan visualmente a un personaje, sino que crean una alteración más amplia, desde la fuerza del deseo hasta la iluminación de la soledad o la desconexión, o también alegría, dependiendo de los colores elegidos.


martes, 15 de abril de 2014

10 Consejos para hacer tus Mezclas como un Profesional

Masterizar una canción es una tarea difícil que requiere cierta experiencia para llegar al éxito. Pero como siempre hay un momento de empezar a enfrentarse a ello, para no cometer errores y comenzar con buen pié, aquí están los diez mejores consejos. Por lo tanto antes de empezar el mastering de una canción o disco completo dales un vistazo.



 1.- PAUSA CAFÉ Tomate un tiempo para masterizar un tema después de la mezcla, si eres la misma persona que ha realizado la mezcla, te ayudará a separar conceptos de mezcla y mastering. y olvidaras los problemas de la mezcla para centrarte en el mastering. Dos semanas puede ser un tiempo optimo.

 2.- NO TE LIMITES A LIMITAR No utilices o abuses de compresores en el master de tu mezcla. No abuses tampoco de los limitadores brick-wall tanto en el master como en los canales de la mezcla en tu DAW.

 3.- BIT a BIT Cuando exportes la mezcla (bounce) hazlo a un número de bits y frecuencia de muestreo con suficiente calidad. Esto te permitirá afrontar los procesos de mastering con calidad. 24 bits, 96Khz es un buen comienzo.

 4.- MENOS ES MÁS No realices ningún proceso durante el mastering, a menos que estés totalmente seguro que mejora la canción. Si cambias algo y no notas la diferencia o después de varios cambios suena peor, descarta los procesos.

 5.- VIGILA LA V El exceso de frecuencias graves y subgraves además de un aumento desproporcionado de los agudos, son fallos comunes en el mastering. Vigila no realizar una ecualización en forma de ( V ) de manera que los graves y agudos aumenten de manera exagerada.

 6.- ESCUCHA LA DIFERENCIA Cuando acabes el mastering de una canción, escucha la diferencia entre la mezcla y el mastering. No solamente la diferencia de volumen, tambien valora la EQ, dinámica etc.

 7.- PARA Y COMPARA En el mastering se trata de igualar los niveles frecuenciales, y buscar la dinámica que ayude a la escucha en diferentes lugares y altavoces. Compara la diferencia con otros discos antes de decidir si está el trabajo terminado.

 8.- CUIDA TUS OIDOS No trabajes a niveles elevados de volumen, sobre todo durante varias horas. Te cansarás,tendrás fatiga auditiva que provocará que no distingas bien los cambios que realices. Además si subes demasiado el volumen puedes estropear tu bien más preciado, tus oídos. No sobrepasar un nivel de 85dB para varias horas de trabajo es una buena costumbre.

 9.- NO ABRAS MIL PLUG-INS Un buen proceso de mastering se podría hacer con un ecualizador un compresor y un limitador. Elige los plug-ins que te gusten y no abras 20 plug-ins para cada sesión de mastering. Te perderás en un mar de posibilidades y te costará llegar a una conclusión adecuada. Por lo menos al principio es más importante cambiar los ajustes que cambiar los plug-ins

 10.- MI META ES MI METODO Elige un metodo para realizar los procesos y siguelo siempre igual. (aunque puede ser que luego lo cambies por otro) Por ejemplo sitúa los plug-ins en la sección master de tu DAW en el orden correcto. EQ,COMP,LIMITADOR etc. Después realiza los cortes y los fades y finalmente cambia la frecuencia de muestreo. Este es solo un ejemplo, realiza siempre los mismos pasos, y no pases al siguiente proceso hasta no estar seguro del primero.

martes, 8 de abril de 2014

Como usar la Reverb en Musica Rap o Hip Hop sin arruinar la mezcla

Las voces de Rap, por su propia naturaleza veloz y rítmica, tienen un tipo de relación especial con el Espacio que las rodea y, a menudo, es fácil perder definición y difuminar su pegada al utilizar Reverb para tratar ese Espacio Físico. En géneros con voces más lentas la relación con el Espacio es más simple pero en el Hip Hop has de ser tremendamente cuidadoso con este tema.
Descubre cómo añadir espacio a tus Raps sin arruinar la Mezcla.

La relación entre los Raps y la Reverb

Las voces de Rap no suelen procesarse con mucha Reverb en las Mezclas (ni grabarse en salas muy vivas) principalmente por 2 motivos.
El primero es la Velocidad a la que se mueven y la fuerte Función Rítmica que las caracteriza. Además su carácter oclusivo y marcado choca con las colas largas de Reverb que pueden difuminar el ritmo y la articulación. Dicho en cristiano: pueden provocar que se entienda menos el Rap.
El segundo es la idea de que han de sonar ‘en tu cara’, potentes y con mucha presencia. La Reverb, sin embargo, tiende a mover las cosas hacia atrás en el Espacio y a darles Profundidad.
A pesar de ello las voces de Rap se suelen beneficiar de un uso cuidadoso y mesurado de la Reverb con la idea de crear Espacio alrededor suyo. La idea es crear una sensación literal de Aire Físico, que las haga más vivas.

Formas de conseguirlo

Un camino para añadir ese ‘Aire’ es utilizar una Reverb con una Caída muy corta y un tiempo de Predelay también corto que permitan añadir una breve cola que más que oirse se intuye y que al intuirse desaparece. Si, además, añades un Filtro Paso Alto a la Reverb conseguirás un Sonido limpio y, aunque parezca una contradicción, silencioso.
Otra forma de lograr añadir el efecto de la Reverb es no usar una Reverb. En su lugar utiliza un Delaycolocado sutilmente detrás de la voz Principal. Esto crea una sensación muy profunda de Espacio sin modificar lo más mínimo la presencia inicial de la Voz. En este caso separarás más ambas Señales si insertas un generoso Filtro Paso Alto y un suave Filtro Paso Bajo en el Delay.
Finalmente, si dispones de una excelente acústica en tu Sala de Grabación, lo ideal es sacar a la luz en la Mezcla el espacio natural de esa sala mediante el uso de Compresión y Ecualización. Utiliza un Ataque lento y un Release medio-rápido y añade Ganancia de 10kHz en adelante para que brille ese Aire natural de la Grabación.

En voces de Rap el uso de Reverb aplica la siguiente máxima: menos es más. Sé sutil en todos tus Procesamientos y, por encima de todo, no emborrones la Definición seca de la Voz Principal.
Cómo usar la Reverb en Rap
Aplica estos consejos y conseguirás una Mezcla con más matices en las Voces. Me interesa conocer tu experiencia en este tema, ¿cómo afrontas en tus mezclas el uso de la Reverb en las voces de Rap?


jueves, 3 de abril de 2014

Consejos para Grabar voces en Estudio casero

Uno de los procesos más importantes de cualquier producción musical es el de grabación, edición y mezcla de las pistas de voz. Gran parte de la atención del oyente suele ir enfocada a la parte vocal, por eso deberíamos tener un cuidado especial grabando las voces en cualquier producción, independientemente del estilo musical en el que estemos trabajando.

Consejos para grabar voz en home studio y estudios profesionales

En el siguiente tutorial podrás encontrar algunos trucos sobre técnicas de producción, preparativos y consejos para realizar la grabación de voz y coros en tu home studio o en un estudio profesional, para ayudarte a mejorar el resultado de tus grabaciones.

¿Grabo las voces en mi home studio o en un estudio profesional?

Respondemos con otra pregunta: ¿Dispones del equipamiento necesario para poder realizar una grabación de voz a la altura de las expectativas del proyecto?
Si la respuesta es sí, ¡Perfecto! Si ya sabes qué es un micro de condensador, un previo y tienes nociones sobre procesos de dinámica, envíos a efectos y software de producción musical, ¡adelante!
En caso contrario, plantéate la posibilidad de grabar la voz en un estudio profesional. Allí te ofrecerán el equipo necesario para conseguir un buen sonido y te ayudarán a centrarte en uno de los aspectos más importantes: tu interpretación.

¿Que equipamiento necesito para grabar voces por mi cuenta?

A continuación puedes ver una lista con los elementos necesarios para realizar una grabación de voz en tu home studio. La calidad de cada elemento, tus conocimientos para sacar el mejor partido del equipamiento y por supuesto, tu habilidad interpretando la parte vocal, determinarán el grado de profesionalidad del resultado.

El equipamiento necesario para grabar voces en home studio:

  • Sala para la grabación de voz (acondicionada la acústica y mínimamente aislada)
  • Micrófono (habitualmente de condensador de gran diafragma)
  • Previo de micro (independiente o integrado en la tarjeta de sonido)
  • Auriculares cerrados (o semiabiertos trabajando a volúmenes moderados)
  • Pie de micro/suspensión (evita que las vibraciones se transmitan al micro)
  • Filtro Anti-Pop (evita el golpe de aire que generan las consonantes P y B)
  • Software de grabación (elige el que más se adapte a tus necesidades)

Preparativos antes de la grabación de voz

Tips gravar voz en estudios mic
Intenta memorizar la letra de la canción
- Memoriza la letra: practica lo suficiente para conseguirlo, así podrás concentrarte en la interpretación. De todas formas, ten a mano un atril con la letra por si se te olvida algún fragmento y lleva una copia para el productor y técnico si realizas la grabación en estudio.
- Premezcla el tema: dale prioridad a la sección rítmica y base armónica. Baja el volumen o silencia aquellos elementos que puedan dificultar que consigas un buen tempo y una buena afinación.
- Prueba diferentes micros y previos: graba varios fragmentos, analiza el resultado y escoge la mejor combinación para el tema. Prueba a cantar a distintas distancias del micro para encontrar el punto óptimo de presencia y frecuencias graves.
- Analiza la sala: escucha la reverberación que produce tu voz en las diferentes zonas para encontrar el mejor punto de grabación. Intenta que no se grabe demasiado el sonido de la sala si no está tratada acústicamente. Puedes usar un reflection filter para minimizar el problema.
Reflection filter para grabar voces
Reflection Filter
- Agua: ten a mano la suficiente cantidad (mejor templada) para no tener que interrumpir la grabación por ese motivo.
- Calienta: realiza ejercicios de calentamiento de voz o haz alguna pasada al tema antes de comenzar la grabación.
- Siéntete cómodo: prepara el ambiente, controla la cantidad de luz y coloca los elementos para conseguir relajarte y así obtener una buena toma. Si estás en un estudio, quizá sea el momento ideal para que la gente que te está observando desde el control room se vayan a hacer un café. (Procura que el productor y técnico se queden…)

Consejos técnicos para grabar voces

  • Volumen: El nivel de tu voz en la mezcla afecta a la potencia con la que cantas. Baja el nivel si necesitas emitir más volumen o súbelo si la canción necesita una interpretación más suave.
  • Nivel de grabación: ajusta el nivel de entrada al ordenador dejando el margen suficiente para que ningún pico de señal pase de 0 dbs. Asegúrate de cantar o pedir al cantante que cante al mismo volumen en el que lo hará durante la grabación (si lo consigues, explícame cómo…)
  • Efectos: graba la señal sin ningún efecto. Sé comedido con el envío de reverberación a cascos. Busca el punto intermedio para sentirte dentro del tema sin usar demasiado efecto, ya que podría enmascarar las posibles imprecisiones en la afinación.
  • Dinámica: comprime muy poco (o nada) durante la grabación. Hazlo sólo si sabes bien lo que estás haciendo (entre 2 y 3 dbs de reducción sería un punto de partida) y si tienes un compresor que aporte calidad y carácter a la cadena de grabación.
  • Ecualización: igual que en el anterior punto, ecualiza sólo si el equipo aporta algo de calidad y si estás totalmente seguro de lo que estás haciendo. Recuerda: no podrás deshacer lo que ha quedado grabado. Aún así, actúa sin miedo y sé creativo.

Rutinas para conseguir la toma de voz definitiva

Puedes enfocar la grabación de voz de formas completamente distintas. Analiza al cantante durante las primeras tomas para decidir la mejor forma de llevar a cabo la grabación. Aquí puedes ver dos de los métodos más comunes:

Grabación de voces y coros en estudio
Analiza al cantante y decide la forma de realizar la grabación

Opción 1: graba varios tracks completos de voz y luego escoge los mejores fragmentos de cada toma.
Es la forma ideal cuando te encargas de grabar y de cantar al mismo tiempo. Tendrás la ventaja de escoger los mejores fragmentos “en frío” una vez finalizada la grabación. Graba entre tres y cinco tomas que consideres buenas y luego crea la pista definitiva seleccionando las mejores frases de cada toma.
Opción 2: Repite hasta conseguir una toma muy buena y pincha los fragmentos que puedan mejorarse hasta finalizar la pista.
Método muy recomendado si estamos produciendo la voz de otro cantante, ya que podemos valorar el resultado al mismo tiempo que se realiza la grabación. Graba el tema completo las veces que sea necesario para conseguir una toma bien interpretada y natural, luego pincha los fragmentos necesarios.

Últimos consejos y grabación de coros

Cuando tengas la toma definitiva, puedes doblar la voz grabando una nueva pista. Intenta que encaje bien con la voz principal, pero no es necesario que sea perfecta (la puedes acabar de ajustar con tu programa de edición de audio). Mezcla la pista a volumen bajo para reforzar la voz durante todo el tema o en los estribillos. Úsala a volumen alto y algo panoramizada para crear el efecto (muy reconocible) de voz doblada.
El recurso de los coros es uno de los más importantes a tener en cuenta para reforzar la parte vocal de cualquier producción musical. Prueba a usar un micrófono o previo distinto al de la voz principal para diferenciar el sonido. También puedes doblar cada coro para usarlos abiertos en L y R en la mezcla.
Por último un consejo importante: apaga el móvil o deja el teléfono fuera de la cabina durante la grabación. No será la primera toma de voz que se echa a perder por el sonido de un teléfono. Aunque te podría pasar como a mí, que me sonó el móvil durante una grabación de coros y posteriormente lo dejaron en la mezcla :) (aquí la prueba – min. 01:18).