¿Por qué el hombre se esfuerza en hacer música?

¿Por qué desde el Paleolítico hasta hoy, el hombre, se esfuerza en hacer música? La explicación más fácil es que la música tiene un placer único para los seres humanos. Por supuesto, esto todavía deja la pregunta de por qué. 


Pero para eso, la neurociencia está comenzando a dar algunas respuestas.
Cuando escuchamos música agradable, liberamos dopamina en el cerebro, justo en la zona donde experimentamos los estímulos de gratificación, como la comida, el sexo, y drogas como la cocaína y las anfetaminas.

Pero lo que puede ser más interesante aquí es cuando se libera este neurotransmisor: no sólo cuando la música se eleva a un momento emocional alta, pero también varios segundos antes, durante lo que podríamos llamar la fase de anticipación.

La idea es que la recompensa se debe en parte a la anticipación, o a la predicción de un resultado deseado. Tomar buenas predicciones sobre el resultado de las acciones de uno parece ser esencial en el contexto de la supervivencia. Y en la música hay mucho de predicción.

La música nos ayuda a tener más capacidad de realizar predicciones sobre acontecimientos futuros sobre la base de acontecimientos pasados. Cuando escuchamos música, las redes cerebrales crean activamente las expectativas basadas en el conocimiento almacenado. Escuchar música es como un entrenamiento de predicción.

Todavía estamos lejos de responder a la pregunta inicial, pero ya conocemos que el hombre se esfuerza en hacer música porque lo estimula emocionalmente, porque nos da placer y porque nos hace más inteligentes. La música ha influido en nuestra evolución cerebral y que además nos ayuda a mantenerlo en forma. Os dejo con una guía de estilos musicales, un poco simples, y como influyen en nuestro cerebro.

Fuente del articulo: http://www.acusticaweb.com/psicoacustica-y-cerebro/blog/psicoacca-y-cerebro/por-que-el-hombre-se-esfuerza-en-hacer-musica.html

Iluminando un estudio de fotografía

En la fotografía no hay una ciencia exacta para crear la iluminación en un estudio, ya que depende del efecto que quiera lograr el fotógrafo y de las preferencias del mismo. No obstante, hay principios básicos que se aplican a casi todas las fotos de estudio: la presencia de un telón de fondo, las luces de fondo y las principales, y las herramientas de difusión. Una vez que esto está preparado, se alteran de acuerdo a lo que se quiera lograr.

Primero debe haber un telón de fondo colocado en algún barral, en un pequeño estand o bien sujetado de la pared. Deber ser lo suficientemente largo para poder cubrir toda la pared y estirarlo por gran parte del piso, esto es que el horizonte desaparezca por completo, eliminando las sombras molestas. Algo importante es, que no tenga costuras.

Luego coloca algún objeto (“posionador”) en el lugar exacto que va a estar el o la modelo para establecer y posicionar correctamente las luces. Puedes utilizar una silla, banqueta, o una pequeña mesa.

Ubica las luces de fondo de cada lado del objeto que sirve como posicionador. Estas luces son sumamente importantes para equilibrar las sombras provocadas por el posicionador y las luces principales. Cada una debe estar dirigida exactamente hacia un lado del objeto que marca la posición. Orienta la luz hacia el interior y hacia el fondo de modo que los dos focos se crucen cuando se enciendan. Esto hará que el fondo esté iluminado de manera uniforme. Fíjate bien que las luces de fondo no estén en el rango de visión de la cámara.

Ahora es el turno de las luces principales. Ésta es la fuente de luz utilizada para iluminar el modelo a fotografiar. Puede ser una luz constante o bien un flash. Debe estar colocada levemente más alta que el modelo y debe apuntar en un ángulo apenas inclinado hacia abajo. Puede estar en la parte delantera derecha o izquierda del modelo.

 

Conecta dispositivos difusores o paraguas a la luz principal. El fin de esto es difundir la luz alrededor del modelo, evitando luces fuertes que podrían causar un brillo o sombras. Propagar la luz permite llenar el espacio con una suave luz natural de manera pareja.

Coloca una pantalla de difusión en el lado inverso de donde esté la luz principal. Puedes tener un ayudante que la sostenga dirigida hacia el modelo, por ejemplo, del lado izquierdo si la luz principal está a la derecha. Esto difundirá aún más la luz.

Por último, juega con la disposición y prueba las luces naturales a tu alrededor. No hay ciencia en la configuración de las luces en un estudio. Depende del fotógrafo. Experimenta con el número de luces, los flashes y los ángulos hasta que tu visión se plasme. Después de todo, la Fotografía es un arte y cada cual la expresa según sus gustos y preferencias.

Como hacer una barra de luces LED

Las luces LED son muy buenas para iluminar cualquier lugar de la casa o bien de forma decorativa y divertida en estantes, bordes de ventanas o puertas, incluso en algún baúl de juguetes para los más pequeños del hogar.

MATERIALES

• Luces LED
• Tira de PVC del tamaño deseado
• Pegamento
• Soldador
• Porta baterías
• Cable
• Cinta aisladora

 PASOS A SEGUIR:

1. Hacer agujeros a lo largo de toda la tira de PVC, del tamaño de las LED escogidas. Cada una debería estar colocada a medio centímetro de distancia de la otra. Con una lija, pasa por los bordes ásperos.
2. Colocar un LED en el primer orificio y pegarlo con pegamento. Coloca el LED de manera que el terminal más corto positivo quede a la izquierda de la tira y el negativo a la derecha. Repetir esto en todos los agujeros.
3. Doblar todas las patitas del LED, para que entren en contacto con los que están al lado. Un terminal positivo debe entrar en contacto con uno negativo y así con todos, salvo el primero y el último que quedan desconectados.
4. Unir con el soldador cada conexión entre sí. Si están muy separados, haz un pequeño tramo con cable eléctrico para cerrarlo. Todos deben estar soldados, menos el primer positivo a la izquierda, y el último negativo de la derecha.
5. Soldar un extremo del cable al borde positivo del porta baterías y el otro extremo al borde negativo de la palanca del interruptor. Suelda un extremo del cable al borne positivo de la palanca del interruptor para abrir el terminal positivo del LED.
6. Suelda un extremo del cable al borne negativo del porta baterías y el otro extremo a la terminal negativa abierta del LED. Encinta el cable largo a la parte posterior de la tira de PVC.
7. Corta pequeños trozos de cinta aislante de color negro y envuelve todos los cables expuestos para evitar que cualquier metal entre en contacto con otros. Introduce las baterías en el porta baterías y activa el interruptor para iluminar tu nueva barra de luces LED.

Cómo iluminar un escenario es algo muy importante

Iluminar un escenario no es solo poner luces, sino, a través de los colores y la intensidad de las mismas, crear el ambiente y la atmósfera para compartir con el público.

Este trabajo muchas veces parece insignificante, y casi no es reconocido en una producción teatral. La iluminación proporciona un contexto diferente, da un toque de magia a los intérpretes y al espectáculo a través del color por ejemplo. En el teatro, el color es el arma más fuerte del iluminador.

El color en las luces se obtiene a través de unos plásticos llamados “Geles” que se colocan delante de los focos. Esto permite que la luz pueda transformarse en cualquier color deseado. Los diseñadores de luces planifican los temas de iluminación para sus producciones metiéndose cuidadosamente dentro de cada obra o lista de canciones, para captar el sentido del tema general. Registran los elementos más importantes de iluminación de escena a escena desde un punto de vista técnico, así como notando las emociones, colores y combinaciones apropiados que deben resaltar. El diseñador escoge un surtido de geles específicos para cada producción, anotando las ubicaciones, los colores fijados y las instrucciones en un cuadro o proyecto detallado llamado "plano de luces".

El uso del color en la iluminación de un escenario es algo valioso en una producción teatral o en un concierto, ya que proporciona el aspecto visual y el sentido de toda la producción. Por ejemplo, si es una tragedia se utilizan tonos más oscuros y sombríos de la paleta de colores de luces, y si bien es una alegre comedia o un musical se emplean por lo general una iluminación más brillante y plana, colores más suaves y menos contrastes. Cada producción ofrece miles de combinaciones de colores y estrategias diferentes.

Las luces de colores también son una forma importante de representar el tiempo o estación de la producción. Ejemplo, el uso de chorros de amarillos suaves ayuda a que el público crea que la obra tiene lugar en una mañana de pleno verano. Los azules y plateados profundos y oscuros pueden indicar que la acción tiene lugar en una noche de pleno verano. Mientras tanto, las motas de rojo, naranja, amarillo y marrón pueden alertar al público que la acción tiene lugar en un hermoso día de otoño.

Las luces de colores, cuando se usan de forma creativa, también pueden causar efectos visuales en una producción, y logran hacerlo con sorprendente eficacia. Un chorro repentino de luces de color rojo profundo sobre un entorno blanco o pálido puede evocar instantáneamente un crimen sangriento, mientras que en un lado más amable, un grupo de pequeñas luces de colores parpadeantes pueden usarse para simular una pantalla de computadora o un elemento de ciencia ficción.

Las luces de escenario de colores no solo iluminan los personajes en escena con un sentido real, sino que también lo hacen metafóricamente. Pueden darle a la audiencia una visión de la mente o el estado de ánimo del personaje, con un reflejo rosa para mostrar que está enamorado, o verde tenue para insinuar enfermedad, o un sutil azul para expresar depresión y tristeza. Los focos de colores no solo aíslan visualmente a un personaje, sino que crean una alteración más amplia, desde la fuerza del deseo hasta la iluminación de la soledad o la desconexión, o también alegría, dependiendo de los colores elegidos.

10 Consejos para hacer tus Mezclas como un Profesional

Masterizar una canción es una tarea difícil que requiere cierta experiencia para llegar al éxito. Pero como siempre hay un momento de empezar a enfrentarse a ello, para no cometer errores y comenzar con buen pié, aquí están los diez mejores consejos. Por lo tanto antes de empezar el mastering de una canción o disco completo dales un vistazo.

 1.- PAUSA CAFÉ Tomate un tiempo para masterizar un tema después de la mezcla, si eres la misma persona que ha realizado la mezcla, te ayudará a separar conceptos de mezcla y mastering. y olvidaras los problemas de la mezcla para centrarte en el mastering. Dos semanas puede ser un tiempo optimo.

 2.- NO TE LIMITES A LIMITAR No utilices o abuses de compresores en el master de tu mezcla. No abuses tampoco de los limitadores brick-wall tanto en el master como en los canales de la mezcla en tu DAW.

 3.- BIT a BIT Cuando exportes la mezcla (bounce) hazlo a un número de bits y frecuencia de muestreo con suficiente calidad. Esto te permitirá afrontar los procesos de mastering con calidad. 24 bits, 96Khz es un buen comienzo.

 4.- MENOS ES MÁS No realices ningún proceso durante el mastering, a menos que estés totalmente seguro que mejora la canción. Si cambias algo y no notas la diferencia o después de varios cambios suena peor, descarta los procesos.

 5.- VIGILA LA V El exceso de frecuencias graves y subgraves además de un aumento desproporcionado de los agudos, son fallos comunes en el mastering. Vigila no realizar una ecualización en forma de ( V ) de manera que los graves y agudos aumenten de manera exagerada.

 6.- ESCUCHA LA DIFERENCIA Cuando acabes el mastering de una canción, escucha la diferencia entre la mezcla y el mastering. No solamente la diferencia de volumen, tambien valora la EQ, dinámica etc.

 7.- PARA Y COMPARA En el mastering se trata de igualar los niveles frecuenciales, y buscar la dinámica que ayude a la escucha en diferentes lugares y altavoces. Compara la diferencia con otros discos antes de decidir si está el trabajo terminado.

 8.- CUIDA TUS OIDOS No trabajes a niveles elevados de volumen, sobre todo durante varias horas. Te cansarás,tendrás fatiga auditiva que provocará que no distingas bien los cambios que realices. Además si subes demasiado el volumen puedes estropear tu bien más preciado, tus oídos. No sobrepasar un nivel de 85dB para varias horas de trabajo es una buena costumbre.

 9.- NO ABRAS MIL PLUG-INS Un buen proceso de mastering se podría hacer con un ecualizador un compresor y un limitador. Elige los plug-ins que te gusten y no abras 20 plug-ins para cada sesión de mastering. Te perderás en un mar de posibilidades y te costará llegar a una conclusión adecuada. Por lo menos al principio es más importante cambiar los ajustes que cambiar los plug-ins

 10.- MI META ES MI METODO Elige un metodo para realizar los procesos y siguelo siempre igual. (aunque puede ser que luego lo cambies por otro) Por ejemplo sitúa los plug-ins en la sección master de tu DAW en el orden correcto. EQ,COMP,LIMITADOR etc. Después realiza los cortes y los fades y finalmente cambia la frecuencia de muestreo. Este es solo un ejemplo, realiza siempre los mismos pasos, y no pases al siguiente proceso hasta no estar seguro del primero.

Como usar la Reverb en Musica Rap o Hip Hop sin arruinar la mezcla

Las voces de Rap, por su propia naturaleza veloz y rítmica, tienen un tipo de relación especial con el Espacio que las rodea y, a menudo, es fácil perder definición y difuminar su pegada al utilizar Reverb para tratar ese Espacio Físico. En géneros con voces más lentas la relación con el Espacio es más simple pero en el Hip Hop has de ser tremendamente cuidadoso con este tema.

Descubre cómo añadir espacio a tus Raps sin arruinar la Mezcla.

La relación entre los Raps y la Reverb

Las voces de Rap no suelen procesarse con mucha Reverb en las Mezclas (ni grabarse en salas muy vivas) principalmente por 2 motivos.
El primero es la Velocidad a la que se mueven y la fuerte Función Rítmica que las caracteriza. Además su carácter oclusivo y marcado choca con las colas largas de Reverb que pueden difuminar el ritmo y la articulación. Dicho en cristiano: pueden provocar que se entienda menos el Rap.

El segundo es la idea de que han de sonar ‘en tu cara’, potentes y con mucha presencia. La Reverb, sin embargo, tiende a mover las cosas hacia atrás en el Espacio y a darles Profundidad.

A pesar de ello las voces de Rap se suelen beneficiar de un uso cuidadoso y mesurado de la Reverb con la idea de crear Espacio alrededor suyo. La idea es crear una sensación literal de Aire Físico, que las haga más vivas.

Formas de conseguirlo

Un camino para añadir ese ‘Aire’ es utilizar una Reverb con una Caída muy corta y un tiempo de Predelay también corto que permitan añadir una breve cola que más que oirse se intuye y que al intuirse desaparece. Si, además, añades un Filtro Paso Alto a la Reverb conseguirás un Sonido limpio y, aunque parezca una contradicción, silencioso.

Otra forma de lograr añadir el efecto de la Reverb es no usar una Reverb. En su lugar utiliza un Delaycolocado sutilmente detrás de la voz Principal. Esto crea una sensación muy profunda de Espacio sin modificar lo más mínimo la presencia inicial de la Voz. En este caso separarás más ambas Señales si insertas un generoso Filtro Paso Alto y un suave Filtro Paso Bajo en el Delay.

Finalmente, si dispones de una excelente acústica en tu Sala de Grabación, lo ideal es sacar a la luz en la Mezcla el espacio natural de esa sala mediante el uso de Compresión y Ecualización. Utiliza un Ataque lento y un Release medio-rápido y añade Ganancia de 10kHz en adelante para que brille ese Aire natural de la Grabación.

En voces de Rap el uso de Reverb aplica la siguiente máxima: menos es más. Sé sutil en todos tus Procesamientos y, por encima de todo, no emborrones la Definición seca de la Voz Principal.

Cómo usar la Reverb en Rap

Aplica estos consejos y conseguirás una Mezcla con más matices en las Voces. Me interesa conocer tu experiencia en este tema, ¿cómo afrontas en tus mezclas el uso de la Reverb en las voces de Rap?

Consejos para Grabar voces en Estudio casero

Uno de los procesos más importantes de cualquier producción musical es el de grabación, edición y mezcla de las pistas de voz. Gran parte de la atención del oyente suele ir enfocada a la parte vocal, por eso deberíamos tener un cuidado especial grabando las voces en cualquier producción, independientemente del estilo musical en el que estemos trabajando.



En el siguiente tutorial podrás encontrar algunos trucos sobre técnicas de producción, preparativos y consejos para realizar la grabación de voz y coros en tu home studio o en un estudio profesional, para ayudarte a mejorar el resultado de tus grabaciones.

¿Grabo las voces en mi home studio o en un estudio profesional?

Respondemos con otra pregunta: ¿Dispones del equipamiento necesario para poder realizar una grabación de voz a la altura de las expectativas del proyecto?
Si la respuesta es sí, ¡Perfecto! Si ya sabes qué es un micro de condensador, un previo y tienes nociones sobre procesos de dinámica, envíos a efectos y software de producción musical, ¡adelante!
En caso contrario, plantéate la posibilidad de grabar la voz en un estudio profesional. Allí te ofrecerán el equipo necesario para conseguir un buen sonido y te ayudarán a centrarte en uno de los aspectos más importantes: tu interpretación.

¿Que equipamiento necesito para grabar voces por mi cuenta?

A continuación puedes ver una lista con los elementos necesarios para realizar una grabación de voz en tu home studio. La calidad de cada elemento, tus conocimientos para sacar el mejor partido del equipamiento y por supuesto, tu habilidad interpretando la parte vocal, determinarán el grado de profesionalidad del resultado.

El equipamiento necesario para grabar voces en home studio:

• Sala para la grabación de voz (acondicionada la acústica y mínimamente aislada)
• Micrófono (habitualmente de condensador de gran diafragma)
• Previo de micro (independiente o integrado en la tarjeta de sonido)
• Auriculares cerrados (o semiabiertos trabajando a volúmenes moderados)
• Pie de micro/suspensión (evita que las vibraciones se transmitan al micro)
• Filtro Anti-Pop (evita el golpe de aire que generan las consonantes P y B)
• Software de grabación (elige el que más se adapte a tus necesidades)

Preparativos antes de la grabación de voz

Intenta memorizar la letra de la canción

- Memoriza la letra: practica lo suficiente para conseguirlo, así podrás concentrarte en la interpretación. De todas formas, ten a mano un atril con la letra por si se te olvida algún fragmento y lleva una copia para el productor y técnico si realizas la grabación en estudio.
- Premezcla el tema: dale prioridad a la sección rítmica y base armónica. Baja el volumen o silencia aquellos elementos que puedan dificultar que consigas un buen tempo y una buena afinación.
- Prueba diferentes micros y previos: graba varios fragmentos, analiza el resultado y escoge la mejor combinación para el tema. Prueba a cantar a distintas distancias del micro para encontrar el punto óptimo de presencia y frecuencias graves.
- Analiza la sala: escucha la reverberación que produce tu voz en las diferentes zonas para encontrar el mejor punto de grabación. Intenta que no se grabe demasiado el sonido de la sala si no está tratada acústicamente. Puedes usar un reflection filter para minimizar el problema.

Reflection Filter

- Agua: ten a mano la suficiente cantidad (mejor templada) para no tener que interrumpir la grabación por ese motivo.
- Calienta: realiza ejercicios de calentamiento de voz o haz alguna pasada al tema antes de comenzar la grabación.
- Siéntete cómodo: prepara el ambiente, controla la cantidad de luz y coloca los elementos para conseguir relajarte y así obtener una buena toma. Si estás en un estudio, quizá sea el momento ideal para que la gente que te está observando desde el control room se vayan a hacer un café. (Procura que el productor y técnico se queden…)

Consejos técnicos para grabar voces

• Volumen: El nivel de tu voz en la mezcla afecta a la potencia con la que cantas. Baja el nivel si necesitas emitir más volumen o súbelo si la canción necesita una interpretación más suave.
• Nivel de grabación: ajusta el nivel de entrada al ordenador dejando el margen suficiente para que ningún pico de señal pase de 0 dbs. Asegúrate de cantar o pedir al cantante que cante al mismo volumen en el que lo hará durante la grabación (si lo consigues, explícame cómo…)
• Efectos: graba la señal sin ningún efecto. Sé comedido con el envío de reverberación a cascos. Busca el punto intermedio para sentirte dentro del tema sin usar demasiado efecto, ya que podría enmascarar las posibles imprecisiones en la afinación.
• Dinámica: comprime muy poco (o nada) durante la grabación. Hazlo sólo si sabes bien lo que estás haciendo (entre 2 y 3 dbs de reducción sería un punto de partida) y si tienes un compresor que aporte calidad y carácter a la cadena de grabación.
• Ecualización: igual que en el anterior punto, ecualiza sólo si el equipo aporta algo de calidad y si estás totalmente seguro de lo que estás haciendo. Recuerda: no podrás deshacer lo que ha quedado grabado. Aún así, actúa sin miedo y sé creativo.

Rutinas para conseguir la toma de voz definitiva

Puedes enfocar la grabación de voz de formas completamente distintas. Analiza al cantante durante las primeras tomas para decidir la mejor forma de llevar a cabo la grabación. Aquí puedes ver dos de los métodos más comunes:

Analiza al cantante y decide la forma de realizar la grabación

Opción 1: graba varios tracks completos de voz y luego escoge los mejores fragmentos de cada toma.
Es la forma ideal cuando te encargas de grabar y de cantar al mismo tiempo. Tendrás la ventaja de escoger los mejores fragmentos “en frío” una vez finalizada la grabación. Graba entre tres y cinco tomas que consideres buenas y luego crea la pista definitiva seleccionando las mejores frases de cada toma.
Opción 2: Repite hasta conseguir una toma muy buena y pincha los fragmentos que puedan mejorarse hasta finalizar la pista.
Método muy recomendado si estamos produciendo la voz de otro cantante, ya que podemos valorar el resultado al mismo tiempo que se realiza la grabación. Graba el tema completo las veces que sea necesario para conseguir una toma bien interpretada y natural, luego pincha los fragmentos necesarios.

Últimos consejos y grabación de coros

Cuando tengas la toma definitiva, puedes doblar la voz grabando una nueva pista. Intenta que encaje bien con la voz principal, pero no es necesario que sea perfecta (la puedes acabar de ajustar con tu programa de edición de audio). Mezcla la pista a volumen bajo para reforzar la voz durante todo el tema o en los estribillos. Úsala a volumen alto y algo panoramizada para crear el efecto (muy reconocible) de voz doblada.
El recurso de los coros es uno de los más importantes a tener en cuenta para reforzar la parte vocal de cualquier producción musical. Prueba a usar un micrófono o previo distinto al de la voz principal para diferenciar el sonido. También puedes doblar cada coro para usarlos abiertos en L y R en la mezcla.
Por último un consejo importante: apaga el móvil o deja el teléfono fuera de la cabina durante la grabación. No será la primera toma de voz que se echa a perder por el sonido de un teléfono. Aunque te podría pasar como a mí, que me sonó el móvil durante una grabación de coros y posteriormente lo dejaron en la mezcla (aquí la prueba – min. 01:18).

Método y secretos Para Usar Un Compresor De Audio

Imagen de un compresor de audio analógico típico

El 1176 de Universal Audio es uno
de los compresores de audio mas
cotizados.


Tengo que admitirlo... soy malo usando compresores. Casi siempre llego al sonido que deseo, pero a través de un montón de prueba y error. Además solo uso compresores con carácter, porque es mas fácil escuchar lo que hacen que con uno transparente.

Cuando empecé en esto del audio no sabía usar EQs tampoco, pero encontré un excelente método para encontrar la frecuencia que deseaba eliminar o realzar: Configuras una banda muy angosta, le subes unos 8 o 10 dB y empiezas a "barrer" las frecuencia (ir de arriba a abajo en el rango de frecuencias), hasta que encuentres la frecuencia buscada, que por supuesto resalta bastante cuando pasas por ella. Luego le bajas a la ganancia, y ajustas el ancho de banda y el corte o realce al gusto.

Siempre busqué un método igual de sencillo y efectivo para usar compresores, y algunos ya habían intentado explicármelo, pero hasta hace poco que encontré este video lo entendí:

Lamentablemente está en inglés, pero te describo el proceso para que no te pierdas. . .

Es básicamente lo mismo que para los EQ: Configuras los distintos parámetros de tal forma que el efecto del proceso (Compresión, EQ, De-Essing, etc) sea exagerado, y luego regresas a configuraciones mas moderadas y útiles.

Aunque voy a detallar el método paso a paso, como siempre lo mas importante es escuchar. Es imposible sacar el máximo de estas herramientas viendo los medidores y los controles físicos en ellos. Tener un método es bueno para empezar a entender los compresores y los efectos de cada control, pero no es una llave mágica para el uso de compresores.

Al detallar el método, cuando me refiera a "pista", me refiero a una grabación que bien puede ser un solo instrumento (como una guitarra o un bajo), un grupo de tracks como una batería, o música completa. En fin, cualquier material de audio. Bien, Empecemos:

1. Configuras tu compresor así: Threshold al máximo: en esta posición no habrá compresión, pues una señal distorsionaría terriblemente para sobrepasar el umbral máximo de un compresor. Ratio al máximo: para que el efecto de la compresión, cuando ocurra, sea mas dramático y mas fácil de escuchar. Attack y Release: Configurados con los tiempos mas rápidos disponibles (generalmente esto sería con una posición totalmente a la izquierda para potenciómetros).
2. Haces sonar el material que vas a comprimir. Empiezas a bajar el Threshold hasta que veas el medidor de reducción de ganancia que sube y baja, indicando cómo la señal supera el nivel del Threshold (cuando hay reducción de ganancia), y luego se reduce por debajo de éste. El nivel idóneo dependerá de qué quieres hacer con el compresor. Si sólo quieres atrapar uno picos demasiado altos por allí, pues entonces deber configurar el Threshold para que la reducción de ganancia se dispare sólo en esos picos. En cambio, si quieres que el compresor esté funcionando siempre, modificando la dinámica de la pista, pues debes configurarlo de tal forma que el medidor indique siempre reducción de ganancia. Tener un objetivo claro de para qué usas el compresor, escuchar detenidamente el efecto, y experimentar con distintos valores, te llevarán a dar con el ajuste ideal.
3. Ahora ajusta el control Attack (ataque). Lo subes poco a poco haciendo mas lento el ataque. Recuerda que en este momento el Ratio todavía está en lo máximo, así que habrá toneladas de compresión. Lo que buscas acá es escuchar la "pegada" que imparte la compresión. Por ejemplo si tu propósito para usar el compresor es tener un sonido mas suave, pero ahora te suena mas bien percusivo y "puntiagudo", entonces tendrás que tener un ataque mas o menos rápido de modo que el compresor capture y redondee esos picos. En cambio si lo que quieres es darle mas impacto y pegada a tu material, necesitas un ataque mas bien moderado, para que el compresor deje pasar los picos sin aplastarlos tanto. Barre todos los tiempos de ataque disponibles buscando donde se logra el efecto que deseas. Hay que tener especialmente cuidado con las pistas que contengan frecuencias muy graves. Un ataque muy rápido puede llegar a distorsionar por completo la forma de onda de las frecuencias mas bajas.
4. Ahora configuras el Release (relajación). Es el tiempo que le toma al compresor dejar de comprimir la señal después de que ésta haya descendido debajo del nivel del Threshold. Una vez más, barre los tiempos escuchando el efecto en las distintas posiciones. Un Realease muy rápido y la señal "bombeará", haciendo el efecto del compresor bastante obvio y dramático. Claro que esto puede ser usado como un efecto si así se desea. Algo que a mi me gusta hacer a veces, es configurar un Release rápido para la caja de la batería. Junto con un ataque moderado, y un Ratio mas o menos severo, se puede lograr un sonido bastante impactante cuando el compresor deja de hacer su trabajo justo después del transitorio inicial del tambor. Por otro lado un realease muy lento haría que el compresor esté siempre funcionando sobre la señal, el medidor de reducción de ganancia se vería siempre marcando gran reducción, y el rango dinámico del material quedaría aplastado.
5. Recuerda que hasta ahora el Ratio, que es básicamente la cantidad de compresión aplicada, ha estado al máximo. No es común usar un compresor con el Ratio al máximo, y un Ratio de 10:1 en adelante ya se considera Limitación. En este método, el Ratio se usa al máximo hasta el último momento para que los ajustes de los otros parámetros sean mas obvios, y el oído se acostumbre al efecto de cada control. Lentamente empieza a reducir el Ratio, a la vez que escuchas cómo el nivel de compresión se reduce. No hay reglas rígidas, pero en internet puedes encontrar varias tablas con ajustes sugeridos para diferentes instrumentos. Además el ajuste es bastante subjetivo, y tanto puede ser que desees algo bastante modesto (unos 2 o 3 dB de reducción) para controlar la dinámica, o algo mas dramático para esculpir el sonido (unos 4 o 6 dB de reducción de ganancia).
6. Cuando encuentres un Ratio que produzca el sonido que estás buscando, vale la pena empezar a experimentar con el resto de parámetros. Mueve un poco el Attack a ver si te gusta mas así. Mueve el Release a ver si el efecto que deseas se hace mas pronunciado o desaparece. Puede que el compresor no esté capturando algunos picos que deseas comprimir, es hora de volver a ajustar el Threshold.

Consideraciones:

Recuerda que, como ya dijimos, este no es un método con pasos rígidos, que al seguirlo rigurosamente conseguirás el sonido del millón de dólares. Yo diría que más que un método para aprender a comprimir audio, es un método para aprender a usar un compresor de audio. La diferencia es que quizá no sea lo más práctico para conseguir el sonido ideal para cualquier material, pero si es muy útil para educar el oído a escuchar los efectos de los diferentes parámetros de un compresor.

La experimentación, la prácica y (si, adivinaste...) escuchar con mucha atención, es lo que a fin de cuentas te llevará a obtener el resultado buscado. No puedo enfatizarte lo suficiente el hecho de que el audio es, en su misma naturaleza, sonido... ¿Qué pintor pintará sus cuadros con los ojos cerrados? Pues sería lo mismo intentar mezclar, ecualizar, o comprimir audio, sin escuchar. Sin escuchar, obtendrás el equivalente sonoro al cubismo de Picasso...

Otro aspecto que hay que tener presente durante el proceso, y por lo que también es muy necesario escuchar con atención, es el hecho de que el Ratio está en lo máximo hasta el último momento. Como ya hemos dicho, esto es para hacer mas obvio el efecto del compresor y de sus otros controles, pero el sonido resultante es poco natural. La compresión es un efecto difícil de escuchar para oídos no entrenados, y este método te brinda un sistema para entrenar tus oídos. Así que cuando estés ajustando el Threshold, el Attack y el Release, no te quedes batallando por lograr el sonido deseado sin haber ajustado el Ratio a un nivel mas usable. Por ejemplo, podrías tener un ajuste en el Release que sea el ideal para una compresión transparente, pero con el Ratio al máximo el sonido aún bombeará un poco.

Las Herramientas:

Te recomiendo que si usas un plug-in, usa uno con controles estilo hardware, sin gráficas adicionales (Claro que el medidor de reducción de ganancia es bienvenido) para que no te distraigan. Por ejemplo, hay algunos plug ins que te permiten configurar el Threshold sobre el medidor de nivel de la pista. Deja esto para cuando tengas mas experiencia, por ahora concentrate en escuchar mientras ajustas los parámetros. Dos plug ins gratuitos que te recomiendo ampliamente por su sonido, e interfaz de usuario, es el Rough Rider de Audio Damage, y el Classic Compresor de Kjaerhus Audio. En especial me gusta el Rough Rider por su sonido, sus gráficas grandes, y su excelente medidor que puedes usar para visualizar el nivel de salida, o el nivel de reducción de ganancia.

Además, añádele paciencia. La compresión de audio es difícil de dominar, pero si practicas, serás capaz de esculpir tu sonido para darle ese toqué profesional.

¿Cómo elegir una grabadora de sonido?

El uso de las grabadoras digitales de voz, se ha ido extendiendo poco a poco en nuestro país. El usuario se va adaptando al nuevo sistema digital, mucho más sencillo, cómodo y fácil de utilizar que el antiguo sistema analógico o de cassette. Las ventajas son infinitas:

• · Facilidad de uso, tanto en grabación como en edición.
• · Simplicidad a la hora de organizar las grabaciones en carpetas.
• · Memoria capaz de almacenar hasta 1000 horas de grabación.
• · Excelente calidad de grabación.
• · Facilidad de conexión a PC.

Pues bien, este pretende ser un manual de introducción a las grabadoras digitales de voz, conocer todas sus posibilidades, ver la cantidad de funciones de las que nos podemos aprovechar, y sobretodo, decidirnos por obtener una de estas pequeñas maravillas.

La Gama Básica

Comenzaremos a hablar de las grabadoras de Gama básica. Aquí podemos encontrar todo tipo de dispositivos, desde sencillas grabadoras tipo “Recordatorio” hasta grabadoras capaces de conectarse directamente al PC sin ningún tipo de cable ni complemento.

Los últimos modelos tienen capacidades de hasta 2Gb, con varios modos de calidad de grabación (LP, SP y HQ). Contra menor calidad tenga el archivo grabado, menos espacio ocupará dentro de la memoria de nuestra grabadora.

¿Y para qué usar una grabadora? Imaginemos que estamos conduciendo por la autopista, recibimos una llamada de trabajo y nos piden que le anotemos unos datos. Con un simple clic al inicio, y otro más al final, tendríamos todos esos datos a salvo, listos para transcribirlos o pasarlos directamente al ordenador.

Otro ejemplo práctico. La lista de la compra. ¿Cuántas veces no hemos hecho una lista de la compra en papel porque pensamos que nos vamos a acordar de todo, y una vez de vuelta a casa, nos faltan la mitad de las cosas? Pues bien, la solución al papel es una grabadora de voz digital.

Para cualquiera de estos ejemplos existen dispositivos como la Grabadora Digital Olympus WS-331M. Esta pequeña grabadora tiene un diseño muy compacto y atractivo, con capacidad de hasta 2Gb pudiendo hacer hasta 555 horas de grabación que después podremos reproducir tantas veces queramos o pasarlas al PC sin necesidad de ningún cable ya que tiene conexión USB directa. Además, podemos introducir y reproducir desde la grabadora archivos MP3.

¿Más ejemplos? Muchos estudiantes ya no se vuelven locos anotando los apuntes en la universidad. Tan solo sacan su grabadora, la colocan encima de la mesa, y graban toda la clase para poderla escuchar después con tranquilidad y apuntar lo que realmente es esencial, sin estar más atentos de apuntar lo que ha dicho que de entender la explicación. Ese archivo que habremos grabado, lo podremos escuchar todas las veces que necesitemos, lo podremos pasar al PC y tener una carpeta con todas las clases de esa asignatura, pasarle esos archivos a un compañero o publicarlos en blog.

Para ello tenemos dispositivos como la Grabadora Digital de Olympus VN-5500 o la VN-6500 PC. Con 128 Mb y 512 Mb respectivamente. Estas grabadoras de simple manejo, pueden servirnos para todo, desde utilizarla para anotar nuestras ideas y luego reproducirlas, hasta para grabar conferencias enteras. Además tienen funciones como el VCVA, que nos deja activar la grabación a través de nuestra voz, o como las marcas índice, para anotar los puntos más importantes de una extensa grabación.

Gama Semi-Profesional

En la Gama Semi-Profesional, podemos incluir todas aquellas grabadoras que ofrecen soluciones profesionales sin tener que gastarnos más dinero del necesario.

Estas grabadoras son ideales para grabar entrevistas, conferencias, para los estudiantes de periodismo que comienzan a trabajar con grabaciones extensas. Suelen tener calidad estéreo además de una gran cantidad de modos de grabación, con lo que algunos modelos llegan a ser pequeños estudios de grabación portátil, dejándonos editar de muchas maneras lo archivos que acabamos de procesar.

Ya hablamos de unas capacidades aún mayores, de hasta 4 Gb, con posibilidad de añadirle tarjetas de memoria externa para así tener muchas más horas de grabación, además de poder insertarle los archivos en MP3 o WMA que queramos escuchar en cualquier momento del día.

Nuestros modelos recomendados para comenzar a utilizar las grabadoras de manera semi-profesional, son las Grabadoras Digitales de Olympus DS-65 y DS-75 con 2 Gb y 4 Gb de capacidad respectivamente. Estas dos grabadoras ultra portátiles, destacan en su diseño compacto y en la cantidad de opciones de configuración que tienen, ya que le podemos acoplar cualquier micrófono a través de su entrada mini-jack o, por el ejemplo, el Kit de Conferencia de Olympus ME-30 con un estuche donde podemos guardar dos micrófonos de altísima calidad con sus trípodes y también las propias grabadoras DS en su interior. Todo el material necesario para una entrevista o rueda de prensa.

Toda la gama DS tiene una aplicación muy útil, es el Menú Guiado por Voz. Esta es una aplicación se adapta perfectamente a las personas invidentes. Ahora, además del tacto, ya que los botones son identificables por el relieve, la grabadora nos va guiando con una voz y nos va situando exactamente en qué parte del menú estamos.

Otra de las aplicaciones de la que se está extendiendo mucho su uso, es la posibilidad de crear archivos para Podcast. Son archivos de audio en MP3, OGG o ACC destinados a su publicación en Internet para que luego cualquier persona se los pueda descargar en su PC o en su reproductor portátil de MP3.

Existen miles de “podcasters” en todo el mundo, gente que graba sus ideas, sus anécdotas, sus historias, sus sesiones de DJ o cualquier cosa que pueda interesar al mundo. A qué esperas tú para unirte a esta comunidad.

Gama Orientada al mundo de la Música

Ésta es la gama que aprovecha al 100% la capacidad de las grabadoras digitales de voz. El mercado de los músicos, de los profesionales del sonido, podcasters, broadcasters, y cualquier persona relacionada con la grabación de audio profesional y portátil va aumentando diariamente y por eso, los dispositivos se van actualizando para adaptarse a las necesidades de este segmento del mercado.

De esta manera nacen las primeras grabadoras digitales con capacidad de grabación lineal PCM, de las que tenemos que destacar ante todo el modelo de Olympus LS-10. Este modelo es un pequeño estudio de grabación portátil con el que podemos obtener una calidad de sonido superior al CD gracias a sus tasas de muestreo de hasta 24bit/96 kHz.

Este tipo de grabadoras están enfocadas a las personas que hacen que su vida se vea inmersa en un mar de sonidos que ellos quieren obtener con la máxima fidelidad posible al original. Para ello tiene que haber una comunión perfecta entre diversos factores pero el principal, pues es el que recoge esos sonidos, es el micrófono. En el caso de la LS-10, los micrófonos estéreo de altísima sensibilidad hechos de una sola pieza de aluminio y con un sistema de circuitos de amplificación avanzados, garantizan una captura del sonido de alta fidelidad con un ruido excepcionalmente escaso.

Es la herramienta de trabajo imprescindible de los técnicos de sonido encargados de adquirir sonido ambiente en el bosque, de una calle, un mercado o los sonidos muy concretos de un pequeño animal, para luego aplicarlos a un documental, una película o un sampleado para una canción.

Pero además, estas grabadoras son pequeños estudios portátiles. Ya que permiten grabar y editar por separado diferentes pistas. Qué mejor aplicación que un pequeño grupo de música que comienza a funcionar y a encontrar su estilo y deciden grabar una maqueta para ver hasta donde pueden llegar. Grabar una maqueta en un estudio, puede ser carísimo, con la LS-10 tan solo necesitarás un PC donde conectar la grabadora a través del USB y traspasar las pistas grabadas al programa que también incluye la LS-10, el Cubase LE 4, con el que suelen trabajar los profesionales de audio para hacer pequeños retoques. A partir de ahí, la calidad de tu música será vuestro límite.

Consejos para Mezclar y masterizar con Adobe Audition

Una vez que hayas grabado todas las partes de una canción, necesitarás mezclarlas y masterizarlas antes de poder distribuirla. La mezcla combina todas las pistas dispares en un archivo de audio. La masterización aplica una serie de efectos al audio mezclado, haciéndolo sonar musicalmente coherente. Adobe Audition incluye un mezclador de pistas múltiples incluido y un soporte con efectos de masterización. Utiliza estas herramientas para transformar tu canción en una grabación que suene profesional.

Instrucciones

1. Haz doble clic en el ícono del escritorio de Audition para iniciar el programa. Haz clic en el botón "Multi pista" para cambiar a la vista de múltiples pistas.
2. Haz clic derecho dentro de la pista etiquetada como "Pista 1", sostén el puntero encima de "Insertar" y selecciona "Audio". Navega hasta el primer archivo de audio que quieras incluir en la mezcla y haz doble clic sobre el mismo. Haz clic derecho dentro de "Pista 2" y repite el proceso. Agrega tantas pistas como quieras.


3. Haz clic sobre la ceja "Mezclador" en la parte superior de la ventana de múltiples pistas para cambiar al mezclador de audio. Haz clic en el botón de "Reproducir" para escuchar las pistas. Ajusta el volumen para cada pista al nivel deseado. Gira la perilla de "Movimiento estéreo" sobre cada modificador del volumen para mover una pista hacia la derecha o hacia la izquierda.
4. Haz clic en el botón de encendido al lado del "EQ" en cada pista, luego ajusta los ajustes ecualización haciendo clic y arrastrando los valores de "dB" y "Hz". Idealmente, cada pista en la sección de mezclado debería ocupar su propio "espacio" en términos de volumen y ecualización.
5. Agrega los efectos a cada pista, si lo deseas, haciendo clic en la flecha al lado del primer campo bajo "FX" y seleccionando un efecto del menú de contexto. Experimenta con diferentes efectos; ajusta el desplazador "Húmedo/seco" de cada efecto para controlar cuánto de los efectos Audition aplica a la pista específica.
6. Haz clic en la pestaña "principal" para regresar a la vista multi pistas inicial. Presiona "Ctrl" y "A" al mismo tiempo para seleccionar todas las pistas. Haz clic derecho sobre una de las pistas. Mantén el cursor sobre "Mezcla a nuevo archivo" y elige "Salida original en sesión (estéreo)" en el menú de contexto que aparece. Audition mezcla las pistas en un nuevo archivo, que puedes masterizar.
7. Haz clic en "Efectos", luego "Soporte para masterizar". Audition abre un nuevo soporte de efectos y los aplica a la onda de audio entera. Haz clic en la flecha al lado del primer campo bajo "FX". Selecciona "Filtrar y EQ", luego "Ecualizador paramétrico". Selecciona los casilleros al lado de cada una de las cinco bandas de frecuencia, luego haz clic y arrastra los puntos de control en la ventana del ecualizador para resaltar las frecuencias deseables y quita las indeseables.
8. Haz clic en la flecha al lado del segundo campo bajo "FX", mantén el cursor sobre "Amplitud y compresión" y selecciona "Compresor multibanda". Haz clic en el botón de "Reproducir" para tener un audio preliminar; ajusta el límite, ataque de ratio y ajustes de emisión para que cada banda saque lo mejor en el audio.
9. Haz clic en el tercer casillero "FX" y selecciona "Amplitud y compresión", luego "Límite duro". Ajusta los modificador de "Limitar amplitud máxima a:" y "Aumentar ingreso por:" hasta que el medidor en la parte inferior de la pantalla se ponga amarilla cuando el volumen esté en su nivel máximo. Si el medidor está rojo, mueve los modificadores a la izquierda hasta que quede en amarillo.
10. Haz clic en "OK" cuando estés satisfecho con el modo en el que suena el audio. Audition aplica los efectos de masterización al audio, lo cual puede tomar varios minutos. Haz doble clic sobre la onda de audio para seleccionarla, luego haz clic en "Efectos", "Amplitud y compresión" y "Normalizar (proceso)". Luego haz clic en "OK".
11. Haz clic en "Archivo" y luego "Guardar como". Escribe el nombre del archivo para el audio mezclado y masterizado y selecciona un formato de audio desde el menú "Guardar como tipo". Haz clic en "Guardar" para guardar el audio masterizado.

Consejos y advertencias

• Guarda el audio masterizado en el mismo formato en el cual lo grabaste

Auriculares para referencia

Una solución intermedia para acceder a escuchas de calibre, es la de optar por unos buenos auriculares de referencia. De esa forma podremos emular escuchas grandes, ya que aquí sí contaremos con graves sólidos y cálidos. Pero deberemos de tener en cuenta otros factores a la hora de usarlos como monitoraje. La distribución espacial del sonido que ofrecen los auriculares es diferente a la que generan un par de cajas acústicas; el sonido en vez de distribuirse en el eje espacial estéreo, parece que se sitúe al centro de la cabeza, y sólo percibimos espacialidad cuando los panorámicos están más forzados. Para ello hay procesadores espaciales dedicados.
Otro factor es que el sonido nos llega directamente al oído sin rebotar en los objetos y paredes, preservando así su calidad, pero induciendo a posibles conclusiones tan erróneas como las que nos inducirían un espacio acústico erróneo, por ende lo mejor sería sacar una media entre las escuchas exteriores y la de los auriculares.
También tomaremos en cuenta el modelo de auriculares, pues dependiendo del tipo elegido, así se nos facilitaría la labor, ya que, en cuestiones de comodidad, los abiertos se soportan durante más tiempo que los cerrados, y éstos últimos, por contra, nos ofrecen un aislamiento de posibles interferencias sonoras exteriores.

En el caso de los auriculares es muy importante proteger nuestros oídos con un limitador, pues un pico no sólo dañaría el altavoz sino que nos podría romper el tímpano. Muy raramente hay que ecualizar las escuchas, a menos que físicamente debamos corregir nuestra recepción, pero sí hay que elegir un amplificador dedicado, ya que, por lo general, los que traen las propias electrónicas es de mediocre calidad.

Monitoreo o Monitorizacion

La elección de nuestras escuchas será tarea básica, pues de ello dependen factores tan importantes como la linealidad y la extensión de frecuencias, así como la dinámica, etc.
A pesar de las "promesas" de las marcas tendemos que elegir unas escuchas que de verdad puedan cumplir su propósito. Es ahí donde deberemos entender que es imposible conseguir prestaciones de escuchas mediocres, pues hay factores fundamentales que cumplen todas las buenas escuchas y que tan sólo son perfeccionados, pero que están siempre presentes.
Uno de ellos es su capacidad en Litros, directamente relacionados con el diámetro de los conos de graves. Un altavoz que pretenda cubrir la gama baja del espectro, con cierta dignidad, debería de tener 12 ".
En cajas acústicas pequeñas la respuesta en graves es tan floja que automáticamente los forzaríamos, pensando que faltasen, teniendo como resultado una bola de graves exagerada.

Tenemos que estudiar detenidamente su curva de respuesta y tolerabilidad en sus márgenes opuestos. Es decir que aunque lleguen hasta los 20 Hz - 20 Khz, hay que ver cómo llegan, con que precisión y que distorsión generan. No hay que olvidar que las curvas de respuesta son generadas con un modelo determinado, a veces prototipo, y que el altavoz que nos entregan es muy parecido pero no igual. Lo ideal sería disponer de una curva personalizada, de la misma caja que compramos, tal y como ocurre con los micrófonos electroestáticos de calidad.
Por supuesto que hasta que no tengamos las escuchas situadas en su localización definitiva, no comprobaremos su calidad. Ciertos modelos son famosos por su agresividad y otros por todo lo contrario. Deberíamos saber elegir igualmente en función de la música o sonidos que posteriormente trataremos, pues hay diferentes filosofías al respecto, y no es lo mismo escuchar unas cajas norte americanas, japonesas o europeas.

Hay que recordar que las escuchas profesionales son más "ingratas" para la audición, pues son más analíticas, se podría decir que "colorean" menos el sonido en pos de ofrecer una herramienta de trabajo y no de ocio. De ahí la denominación de Monitores, los que ofrecen una respuesta analítica.

El lugar fisico o Recinto donde se reproducira el sonido (acustica)

Ya he señalado anteriormente lo importante de una buena acústica en las zonas de escucha. Sólo este tema es merecedor de toda una serie de lecciones magistrales, pero en principio definiré los parámetros básicos a tener en cuenta.
Sabido es que, en general, el entorno profesional se diseña con funciones ergonómicas, es decir que todo se adecue a la persona que controlará todo el Hard. Mientras que la escucha en la zona doméstica puede prescindir de casi todo y en general sumirse exclusivamente en el placer de la escucha, las necesidades profesionales "obligan" a tener casi todo al alcance de las manos, y por ende a distancia de un brazo. Así tenemos que necesariamente el entorno acústico, el habitáculo, es diferente por necesidad y los problemas acústicos que se generan son por lo tanto también diferentes. Además el habitáculo se diseña con unas dimensiones y geometría adecuadas para paliar las "interferencias" que ciertas ondas provocan.
Pero aún así guardan cierto paralelismo, pues las ondas sonoras viajan igualmente y rebotan contra objetos y paredes, de tal forma que nos llegan de forma diferente a como salen desde las propias fuentes. Hay que tener en cuenta también que nunca se dan las condiciones óptimas para su recreación, así que tendremos que paliar con soluciones eficaces dichas distorsiones.

Difusor acústico

Como en los anteriores casos ésto pasa por un desembolso importante según que grado de efectividad busquemos. Las soluciones son múltiples y, básicamente, pasan por tratar de controlar la linealidad del espectro de frecuencias por nosotros percibido. Ya hemos intervenido en todos los factores posibles en las electrónicas, desde elegir el componente más adecuado, hasta corregir, dentro de lo posible, el grado de perfección sonora que éste sea capaz de generar, pero una vez en el aire nos podemos encontrar con que dicha corrección se vaya al traste.

Tendremos por lo tanto que deducir si es posible intervenir acústicamente, agregando elementos acústicos correctores, o conformarnos con la respuesta obtenida. Si viésemos que, a pesar de nuestros esfuerzos, aún no estuviéramos seguros de percibir con calidad dicha linealidad, tendríamos que salvar drásticamente las diferencias, es decir sustituyendo algún componente de la cadena electrónica (si fuera el causante de dicha distorsión), cambiar radicalmente la situación de todo el Hard, o modificar sustancialmente la arquitectura del espacio sonoro elegido.

Adecuacion de las escuchas

Una diferencia fundamental existente entre las cajas acústicas profesionales, llamadas usualmente Monitores, y las domésticas, a parte las consabidas diferencias técnicas y contextuales, es su uso dentro de su entorno. Normalmente las cajas de cierto calibre, en el ámbito doméstico van colocadas sobre el suelo, mientras que las profesionales se suelen colocar en alto, o sobre la mesa de mezclas, o sobre soportes especiales, cuando no empotradas directamente en la pared.
Está claro que la actitud en la escucha es netamente diferente, mientras en la zona doméstica nos relajamos, en la zona profesional estamos erguidos y pendientes del análisis.
En ambos casos la onda sonora directa e indirecta sufre distorsiones, producto de los obstáculos que encuentra en su propagación. Por no hablar de la propia transmisión física con el soporte que las sustenta y de la propia onda de regreso.
Tenemos que procurar minimizar todos estos problemas y a veces la solución pasará por un rediseño acústico del habitáculo donde se halla la zona afectada.
Pero hay soluciones más sencillas y bastante prácticas que son de rápida solución.
A las cajas acústicas, si van en el suelo, lo mejor es dotarlas de un soporte tipo DM que tenga 3 pies, ya que así no tendremos nunca una patita coja. Estos pies lo ideal es que sean muy afilados, de tal forma que su superficie de contacto con el suelo sea mínima, así sean incapaces de transmitir las vibraciones de la propia caja.

Soporte de Altavoz

Las cajas que van alojadas en estantes o soportes elevados, deberían de llevar unos antideslizantes y aislantes, de tal forma que las propias vibraciones de éstas impidan que se muevan y trasmitan la vibración.

Las electrónicas profesionales van enrackadas y fijadas con tornillos, mientras que las Hi-fi van en muebles con diversas bandejas...Sería importante igualmente impedir que las vibraciones afecten a dichos aparatos, con la misma filosofía que hemos aplicado a las cajas, hay múltiples soluciones para que eso no ocurra.